Michelangelo Buonarroti: The Eternal Genius of the Renaissance 06/03/1475 – 18/02/1564

Escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano, Miguel Ángel Buonarroti es considerado uno de los más grandes maestros del Renacimiento. Su legado artístico, que abarca desde la escultura monumental hasta la arquitectura y la pintura, lo convirtió en una de las figuras más influyentes y admiradas de la historia del arte universal.

(March 6, 1475 – February 18, 1564)
Italian sculptor, painter, architect, and poet, Michelangelo Buonarroti is hailed as one of the greatest masters of the Renaissance. His artistic legacy—spanning monumental sculpture, architecture, and painting—made him one of the most admired and influential figures in the history of Western art.

Nacido en Caprese, Toscana, en 1475, Miguel Ángel fue el segundo de cinco hijos de Ludovico Buonarroti y Francesca di Neri del Miniato di Siena. Tras la temprana muerte de su madre, fue aprendiz en talleres florentinos, donde conoció a grandes humanistas y a los poderosos Médici, quienes marcaron decisivamente su trayectoria. Después de un año, fue trasladado al taller de Bertoldo di Giovanni, donde aprendió escultura.

Born in Caprese, Tuscany, in 1475, Michelangelo was the second of five children of Ludovico Buonarroti and Francesca di Neri del Miniato di Siena. After losing his mother at a young age, he trained in Florentine workshops and came into contact with humanists and the powerful Medici family, who profoundly shaped his career. After a year, he was transferred to Bertoldo di Giovanni’s workshop, where he learned sculpture.

Con dieciséis años, Miguel Ángel ya había realizado al menos dos esculturas en relieve: el Combate de los lapitas y los centauros y la Virgen de la Escalera (ambas fechadas entre 1489 y 1492, Casa Buonarroti, Florencia).

By the age of sixteen, Michelangelo had already produced at least two relief sculptures: the Battle of the Lapiths and the Centaurs and the Madonna of the Ladder (both dated between 1489 and 1492, Casa Buonarroti, Florence).

Su versatilidad artística fue tan extraordinaria que a menudo se le considera el arquetipo del “hombre del Renacimiento”, en disputa solo con Leonardo da Vinci. Durante su vida fue llamado Il Divino (“el divino”) por la fuerza, el dramatismo y la terribilità de su obra: una capacidad única para conmover y asombrar a quienes contemplaban sus creaciones.

Michelangelo’s artistic versatility was so remarkable that he is often considered the very embodiment of the “Renaissance man,” rivaled only by Leonardo da Vinci. During his lifetime, he was known as Il Divino (“the divine”) for the power, drama, and terribilità of his work—a unique ability to inspire awe and deep emotion in those who beheld it.

Entre sus obras maestras se encuentran la escultura del David, la Piedad, el imponente fresco del Juicio Final en la Capilla Sixtina y la cúpula de la Basílica de San Pedro en Roma. Su carrera se extendió por más de siete décadas, en las que alternó con éxito la escultura, la pintura y la arquitectura, superando incluso a otros gigantes de su tiempo como Rafael Sanzio y el propio Da Vinci.

Among his masterpieces stand the statue of David, the Pietà, the monumental fresco of The Last Judgment in the Sistine Chapel, and the design of the dome of St. Peter’s Basilica in Rome. His career spanned more than seven decades, during which he excelled in sculpture, painting, and architecture—surpassing even his contemporaries Raphael and Leonardo.

Miguel Ángel dejó también un impacto duradero en la arquitectura, con creaciones como la Biblioteca Laurenciana y la Sacristía Nueva en Florencia, así como la conclusión del Palacio Farnesio y el diseño de la majestuosa cúpula de San Pedro en el Vaticano.

His architectural achievements remain equally significant, including the Laurentian Library and the Medici Chapel in Florence, as well as the completion of the Palazzo Farnese and the iconic dome of St. Peter’s.

Las diez obras más célebres de Miguel Ángel / Michelangelo’s Ten Most Famous Works

Esto incluye obras de arte como David, La creación de Adán, Piedad y Moisés

This includes works of art such as David, The Creation of Adam, Pieta and Moses

1. David (1501–1504) – Galería de la Academia, Florencia. David (1501–1504) – Galleria dell’Accademia, Florence. David es una obra maestra de la escultura renacentista, realizada en mármol de 5,17 metros (17 pies 0 pulgadas) de la figura bíblica de David, un tema favorito en el arte de Florencia. Fue un encargo de Piero Soderini y la esculpió a partir de un bloque descartado por sus imperfecciones, manteniendo la obra oculta mientras la tallaba. Miguel Ángel, de carácter huraño y desconfiado, él mismo seleccionaba el mármol, lo transportaba y lo trabajaba para asegurarse de que era la pieza correcta.
2. La Creación de Adán (1511–1512) – Capilla Sixtina, Vaticano. The Creation of Adam (1511–1512) – Sistine Chapel, Vatican. La creación de Adán (italiano: Creazione di Adamo), es una pintura al fresco del artista italiano Miguel Ángel, que forma parte del techo de la Capilla Sixtina, pintado c. 1508-1512. Ilustra la narrativa bíblica de la creación del libro del Génesis en la que Dios da vida a Adán, el primer hombre. El fresco es parte de un esquema, iconográfico complejo y cronológicamente es el cuarto de la serie de paneles que representan episodios del Génesis.
3. Basílica de San Pedro (1546–1564) – Vaticano. St. Peter’s Basilica (1546–1564) – Vatican City. Piazza San Pietro, 00120 Città del Vaticano. El mayor y último encargo de su vida que el artista realizó el artista a los 71 años. El Papa Pablo III lo nombró arquitecto en jefe de la extensa Basílica de San Pedro, la opulenta pieza central del Vaticano donde descansan los papas y hogar de la cúpula más alta del mundo. diseñada Inicialmente por Donato Bromante, el edificio, durante los primeros 40 años de construcción, sufrió el tira y afloja de cinco sucesores posteriores con visiones diferentes antes de la llegada de Miguel Ángel. Incrementó sustancialmente la escala de los cuatro pilares principales en el cruce que sostiene la cúpula y realzó el grosor del perímetro de la iglesia.
4. La Piedad (1498–1499) – Basílica de San Pedro, Vaticano. The Pietà (1498–1499) – St. Peter’s Basilica, Vatican. En 1497, el cardenal Jean de Billheres, encargó a Miguel Ángel, creara una obra de escultura para entrar en una capilla lateral en la Basílica de San Pedro en Roma. El trabajo resultante, la Piedad, tendría tanto éxito, que lanza la carrera de Miguel Ángel, a diferencia de cualquier otro trabajo anterior, realizado por él, quien afirmó que el bloque de mármol de Carrara que solía trabajar, era el bloque más “perfecto” que jamás había usado, y continuaría puliendo y refinando este trabajo más que cualquier otra estatua que creara. La escena de la Piedad muestra a la Virgen María, sosteniendo el cuerpo muerto de Cristo después de su crucifixión, muerte y remoción de la cruz, pero antes de que fuera colocado en la tumba. Es uno de los eventos clave de la vida de la Virgen, conocido como los Siete Dolores de María que son tema de las oraciones devocionales católicas.
5. El Juicio Final (1536–1541) – Capilla Sixtina, Vaticano. The Last Judgment (1536–1541) – Sistine Chapel, Vatican. Desde la construcción de la Capilla Sixtina hasta 1536, la pared del altar donde ahora está, el Juicio Final contenía otros murales de la serie de las historias de Moisés y de Jesúsː estaban la Asunción, la Natividad de Cristo y el Descubrimiento de Moisés. Más arriba se encontraban los tres primeros papas, donde estaba Simón Pedro. Miguel Ángel tuvo que quitar los frescos de Perugino de la zona del altar para pintar su obra, lo que le valió numerosas críticas. Anteriormente, Clemente VII, le pidió que pintara la caída de los ángeles rebeldes, pero, tras su muerte, su sucesor, Paulo III, le encargó que pintara la escena del Juicio Final (en italiano: Il Giudizio Universale), es un fresco del pintor renacentista italiano, que cubre todo el muro del altar de la Capilla Sixtina en la Ciudad del Vaticano. Es una representación de la Segunda Venida de Cristo y el juicio final y eterno de Dios sobre toda la humanidad. Los muertos se levantan y descienden a su destino, según lo juzga Cristo, quien está rodeado de santos prominentes. En total hay más de 300 figuras, con casi todos los hombres y ángeles mostrados originalmente como desnudos; muchos fueron luego cubiertos en parte por cortinas pintadas, de las cuales algunas permanecen después de una reciente limpieza y restauración.
6. Moisés (1513–1515) – San Pietro in Vincoli, Roma. Moses (1513–1515) – San Pietro in Vincoli, Rome. Ubicación: San Pietro in Vincoli, Rome, durante los periodos del Renacimiento, Renacimiento italiano, Alto Renacimiento y que fuera encargado en 1505 por el Papa Julio II para su tumba, representa a la figura bíblica de Moisés con cuernos en la cabeza, según una descripción del capítulo 34 del Éxodo en la Vulgata, la traducción latina de la Biblia utilizada en ese momento. En el arte cristiano de la Edad Media, se representa a Moisés con cuernos y sin ellos; a veces en la gloria, como profeta y precursor de Jesús, pero también en contextos negativos, especialmente sobre los contrastes paulinos entre fe y ley: la iconografía no era en blanco y negro.
7. Biblioteca Laurenciana (1524–1559) – Florencia. Laurentian Library (1524–1559) – Florence. Ubicación: Piazza San Lorenzo, 9, 50123 Firenze FI, Italia cuyo estilo arquitectónico es renacentista. En la Biblioteca Laurentian, Miguel Ángel tuvo que superar interesantes desafíos estructurales: el complejo monástico ya existía (con los dormitorios de los monjes y la iglesia adyacente) y el resto del vecindario ya estaba construido, por lo que solo había un lugar para poner la biblioteca, y eso estaba por encima de la estructura existente. Por eso tuvo que hacerlo particularmente ligero. La biblioteca Laurenciana o Medicea Laurenciana es una de las bibliotecas más importantes del mundo y no sólo por la importantísima cantidad de material bibliográfico que alberga – manuscritos, incunables, papiros…- sino por los valores artísticos y constructivos diseñados por uno de los más grandes artistas de toda la historia. Por aquellos tiempos Miguel Ángel (1475 – 1564) ya cosechaba importantes éxitos en todos los campos artísticos; de hecho el genio renacentista ya había realizado uno de sus más grande trabajos en Roma, las pinturas de la bóveda de la Capilla Sixtina y El Juicio Final, y decidió volver a Florencia para proyectar la Fachada de la Basílica de San Lorenzo realizada por Brunelleschi, encargo que nunca llegó a realizar. A principios de la década de los veinte Miguel Ángel comenzó a diseñar en la misma basílica la Capilla Medicea que albergaría las tumbas de Lorenzo y Giuliano de Médicis. Tres años después, en 1524, Clemente VII – Giulio de Médicis- le encomendó la realización de una biblioteca para albergar el patrimonio literario de la familia. La biblioteca se situaba en el claustro de la basílica familiar de San Lorenzo, por lo que su espacio ya estaba delimitado. Miguel Ángel planteó un recorrido que transportarse al lector desde la tranquilidad del patio renacentista <> hasta la imponente Sala de Lecturas. El arquitecto planteó un proyecto constructivo en dos espacios de diferente altura unidos por una bellísima escalera.
8. La Virgen de Brujas (1504) – Iglesia de Nuestra Señora, Brujas. Madonna of Bruges (1504) – Church of Our Lady, Bruges. La representación de Miguel Ángel de la Virgen y el Niño difiere significativamente de las representaciones anteriores del mismo tema, que tendían a presentar a una Virgen piadosa sonriendo a un bebé que sostenía en sus brazos. En cambio, Jesús está de pie, casi sin apoyo, solo débilmente sujeto por la mano izquierda de María, y parece estar a punto de alejarse de su madre. Mientras tanto, María no se aferra a su hijo ni siquiera lo mira, sino que mira hacia abajo y hacia otro lado. Se cree que la obra estaba originalmente destinada a un retablo. Si es así, entonces se habría mostrado mirando ligeramente hacia la derecha y mirando hacia abajo. La escultura de principios del siglo XVI también muestra el estilo de la pirámide del Alto Renacimiento que se ve con frecuencia en las obras de Leonardo da Vinci a fines del siglo XV. La escultura fue terminada y transportada a Brujas por el comerciante de lana que la encargó, de ahí el nombre por el que todavía se la conoce. Se cree que la escultura estaba destinada a ser colocada en un altar. Al representar este escenario frecuentemente representado, Miguel Ángel adopta un método diferente al de sus predecesores. Los pintores anteriores representaron a la Virgen mirando compasivamente al bebé mientras lo sostenía en sus brazos.
9. Baco (1496–1497) – Museo Nacional del Bargello, Florencia. Bacchus (1496–1497) – Museo Nazionale del Bargello, Florence. Ubicación: Museo Nacional Bargello Periodo: Alto Renacimiento
   Baco es una escultura de mármol del escultor, pintor, arquitecto y poeta italiano del Alto Renacimiento Miguel Ángel. La estatua es algo más de tamaño natural y representa a Baco, el dios romano del vino, en una pose tambaleante que sugiere borrachera. Encargado por Raffaele Riario, un cardenal de alto rango y coleccionista de esculturas antiguas, fue rechazado por él y comprado en su lugar por Jacopo Galli, banquero de Riario y amigo de Miguel Ángel. Junto con la Piedad, el Baco es una de las dos únicas esculturas que se conservan del primer período del artista en Roma.
   Baco está representado con los ojos en blanco y su cuerpo tambaleante casi balanceándose sobre el afloramiento rocoso sobre el que se encuentra. Detrás de él está sentado un sátiro que se come el racimo de uvas que se le escapa de la mano izquierda a Baco. Con su pecho y abdomen hinchados, la figura de Baco sugería a Giorgio Vasari «tanto la esbeltez de un hombre joven como la carnosidad y redondez de una mujer», y a menudo se ha observado su cualidad andrógina (aunque los testículos también están hinchados). La inspiración para la obra parece ser la descripción en la Historia natural de Plinio el Viejo de una escultura de bronce perdida de Praxíteles, que representa «Baco, la borrachera y un sátiro». La sensación de precariedad resultante de un centro de gravedad alto se puede encontrar en varias obras posteriores del artista, entre las que destaca el David y las figuras del techo de la Capilla Sixtina.
10. Tondo Doni (1503–1504) – Galería de los Uffizi, Florencia. Doni Tondo (1503–1504) – Uffizi Gallery, Florence. Ubicación: Galería de los Uffizi. El Doni Tondo retrata a la Sagrada Familia (el niño Jesús, María y José) en primer plano, junto con Juan el Bautista en el medio, y contiene cinco figuras masculinas desnudas en el fondo. La inclusión de estas figuras desnudas se ha interpretado de diversas formas. El Tondo Doni es una obra renacentista realizada por este inigualable artista. La obra tiene forma redondeada, tondo, con un diámetro de 1,2 metros y fue realizada en torno a 1503 y 1504 por encargo de Angolo Doni un conocido tejedor renacentista para conmemorar su matrimonio con Alexandra Cecala, la hija de un importante banquero; además es importante señalar como durante la época renacentista las obras pictóricas con formato circular estaban asociadas al matrimonio como símbolo de unidad y eternidad. Miguel Ángel realizó la obra en una técnica mixta de óleo y temple sobre tabla de madera de hecho, este tondo es la única obra que el renacentista pintará sobre este tipo de soporte.

Frases célebres / Famous Quotes

• “La perfección no es cosa pequeña, pero está hecha de pequeñas cosas”. “Perfection is no small thing, but it is made up of small things.”
• “Si supieras cuánto trabajo se necesita, no lo llamarías genio”. “If people knew how hard I worked to gain my mastery, it wouldn’t seem so wonderful at all.”

Miguel Ángel Buonarroti falleció en Roma el 18 de febrero de 1564, a los 88 años. Su arte, sin embargo, sigue siendo eterno: un testimonio de la grandeza y del espíritu creativo que definieron el Renacimiento.

Michelangelo Buonarroti passed away in Rome on February 18, 1564, at the age of 88. His art endures as an eternal testament to the greatness and creative spirit that defined the Renaissance.